какой материал используют художники для создания живописных работ
Материалы для создания картин
Приветсвую вас в моем мазине KatrinSeaArt!
В этом посте, хочу рассказать какие материалы я использую для создания своих работ.
Начну пожалуй с холста, его я изготавливаю самостоятельно, так как качество предлагаемое в магазине очень низкое, а именно используется слишком тонкий подрамник, и со вменем такой холст может изменить свою геометрию, могут образоваться заломы в уголках холста. Имея такой опыт, очень не хочется написать красивую картину, на некачественном холсте.
Чтобы изготовить холст я покупаю в профессиональном магазине для художников деревянный подрамник (это деревянная основа, на которую позже натягивается ткань). Либо в некоторых случаях, когда необходимо написать картину больших размеров, я заказываю в столярной мастерской подрамник под свои размеры нужной мне толщины.
Далее, для холста я покупаю натуральную ткань лен 100% или хлопок 100%, закрепляю ткань на деревянном подрамнике, при помощи строительного степлера и проклеваю в 4 слоя раствором желатин+вода.
В итоге получается идеально натянуй, прочный холст, которому не страшно время.
Что касается красок, я рисую как масляными так и акриловыми красками. В основном, я покупаю краски также в профессиональных магазинах для художников.Я использую краски нескольких брендов: «Мастер-Класс», «Ладога», «Сонет» и «Гамма», они обладают хорошей текстурой, стойкостью цвета, ну и конечно богатой палитрой.
В завершении картины, иногда я покрываю ее полуматовым итальянским лаком, чтобы картина могла дольше храниться, была защищета от капель и пыли. Но лак использую не всегда, иногда хочестся оставить картину не тронутой, сохранить текстуру от кисти и мастихина.
Ну и конечно свои работы я пишу с любовью, частичка моего вдохновения и любви всегда остается с картиной, которую вы приобрели!
Материалы для художника
На рынке представлен широкий ассортимент художественных принадлежностей. Ниже приведено краткое описание отдельных аксессуаров, своеобразный «ящик с инструментами» материалы для художника.
Существуют различные типы мольбертов
Для рисования на открытом воздухе используются мольберты на трех ножках. Они легкие, достаточно устойчивые, их высота регулируется, и у них есть механизм стабилизации верхней части рисунка. К тому же они складные, что облегчает транспортировку. Студийные мольберты в основном используются для работы в студии. Они более массивны, чем уличные мольберты и более устойчивы. У студийных мольбертов есть возможность регулировать как высоту, так и угол наклона. Также есть мольберты со встроенным выдвижным ящиком, который можно использовать для хранения красок, кистей и т.д. Небольшие настольные мольберты предназначены для небольших форматов изображений.
Бумага
Что касается бумаги, существует огромный выбор цветов и типов, в зависимости от используемой техники. Бумага характеризуется различной степенью зернистости и впитываемости. Для акварельной живописи и других водных технологий разработаны специальные виды бумаги, например, из серии Fabriano, доступные в виде отдельных листов или в виде целых блоков. Для масляной и акриловой живописи чаще всего используют грунтованный льняной холст, а также грунтованные древесноволокнистые плиты, картон, фанеру и т.д. Реже используется бумага, поскольку это может привести к растрескиванию краски. Для рисования углем, сангвином и карандашами можно использовать альбом для рисования, а также мы можем выбрать из широкого ассортимента видов картона. Для картин, выполненных в технике сухой пастели, рекомендуется велюровая бумага.
Кисти и шпатель
Существует очень большой выбор кистей, как натуральных, так и искусственных. Их размеры и формы также разнообразны: наиболее популярны круглые, плоские и в форме кошачьих язычков. Крепкие и гибкие кисти из свиной щетины походят для работы с маслом. Но с более тонкими рисунками в этой же технике мы также можем использовать кисти из меха белки или куницы. Щетина из куницы и белки, а также и более дешевые кисти из коровьего волоса очень хорошо работают с деликатными красками, темперой, акварелью, а также с акриловыми красками. Кисти с искусственной щетиной тоже имеют хорошее качество. Стоит также упомянуть шпатели. Они могут иметь классическую форму шпателя или быть достаточно узкими. Нанесение краски шпателем позволяет получить интересные текстуры, кроме того, с помощью шпателя мы можем смешивать краски.
Карандаш, уголь, сангвина
Карандаши делятся на твердые (отмеченные знаком H), которые дают легкую и четкую линию, обычно используемую в технических чертежах; карандаши с маркировкой B — мягкие с жирной темной линией — используются в основном в художественной графике и полутвердые с маркировками F и HB. На карандашах H и B рядом с буквой есть также число, указывающее уровень твердости (в H) или мягкости (в B): чем выше значение, тем мягче или тверже карандаш. Графитная вставка для карандаша заключена в дерево, но на рынке также имеются чистые графитовые палочки.
Кроме того, для рисования используется уголь. Он выпускается как в виде палочек, так и карандашей — сангвиников и меловых карандашей разных цветов.
Масляные, акриловые и акварельные
На рынке представлен очень большой выбор красок и большой выбор производителей. Краски, а также темперы доступны в очень широком диапазоне цветов. Масляные краски продаются в тубах разных размеров, отдельно, а также в целых наборах, акриловые краски выпускаются в тубах и банках — стеклянных или пластиковых.
Акварельные краски
Акварельные краски можно купить в сухом виде — в палитре и в виде крема, также в палитре и в тюбиках доступны акварельные карандаши. Заготовки продаются в тубах разных размеров, как по отдельности, так и в наборах.
Также на рынке доступны сухие и масляные (жирные) пастели.
Масляные пастели выпускаются в виде палочек, их можно купить как по отдельности, так и в виде целых наборов, и они имеют широкий спектр цветов. Масляная пастель может быть разбавлена скипидаром для получения живописного эффекта. Сухие пастели выпускаются в виде простых палочек или палочек с квадратным сечением. Мы также можем купить пастели в карандашах. Есть много компаний, производящих пастели, они предлагают как целые наборы, так и отдельные образцы.
Разбавители
Разбавители — в масляной живописи наиболее популярными разбавителями являются льняное масло — оно жирное и долго сохнет, а также скипидар, который обезжиривается и быстро сохнет. Закончив работу масляными или акриловыми красками, стоит защитить рисунок лаком. Здесь у нас есть выбор, в зависимости от того, какой эффект отделки мы хотим: матовый лак или глянцевый.
Также закрепляющий лак используются для консолидации и закрепления работ, выполненных в технике сухой пастели. Стоит также упомянуть о разнообразии палитр. Они имеют разные формы и обычно изготавливаются из дерева или пластика.
Фиксатив
Фиксатор — это смола, которая была растворена в бесцветном спиртовом растворителе. Он предотвращает размазывание рисунков, выполненных карандашом, углем или другими мягкими пигментными материалами. При распылении на рисунок спиртовой растворитель испаряется и остаётся тонкое покрытие из смолы, которое связывает пигментную пыль с опорой. После фиксации даже ластик не может изменить рисунок. Тем не менее, можно работать поверх фиксированного чертежа, и это обычная практика, чтобы периодически фиксировать чертёж на время его изготовления. Фиксатор лучше всего применять с использованием аэрозоля, следуя инструкциям производителя. Также имеются бутылки с ручным распылителем и диффузором для распыления.
Бумага и подложка
Существует три различных поверхности бумаги. Шероховатость — это, как следует из названия, бумага с сильно текстурированной поверхностью. Лучше всего подходит для более смелой, выразительной работы с использованием древесного угля, мелков, пастельных карандашей и мягкого графита. Бумага с очень гладкой поверхностью известна как «горячепрессованная» из-за того, что при изготовлении сушильный лист пульпы пропускают через горячие стальные ролики. Она чаще используется для работы с пером и чернилами, промывкой рисунков и тонкой обработкой карандашом и менее удобна при использовании с мягко пигментированными инструментами для рисования, такими как уголь и мел. Это происходит потому, что пигментная пыль нуждается в текстурированной поверхности, чтобы цепляться.
Бумаги со средней текстурированной поверхностью известны как холодное прессование (что означает не горячее прессование). Бумаги этой группы хорошо работают с большинством чертёжных материалов и, возможно, являются наиболее широко используемыми. Высококачественная бумага, обычно помеченная как «бескислотная», нейтрализуется для противодействия кислотности и не станет хрупкой. Картриджная (стандартная чертёжная) бумага — тип, наиболее часто используемый для рисования. Она может быть белой, кремовой или цветной, и доступна в различных весах, размерах и качествах. Акварельная бумага также различается по весу и хороша для всех видов рисования.
Пастельная бумага поставляется в многообразных оттенках и имеет “зуб” или зерно, которое предназначено для захвата и удержания мельчайших частиц цвета. Одна сторона бумаги обычно текстурирована, что является стороной, на которой большинство людей рисуют, но вы можете использовать другую сторону, если захотите. Пастельная бумага поставляется в двух весах; наиболее толстая бумага может принимать более тяжёлые трения и переработку, чем лёгкая бумага. Бумагу можно приобрести как в виде отдельных листов, так и в альбомах для рисования и блокнотах. Одиночные листы позволяют вам попробовать несколько различных бумаг и могут быть разрезаны по размеру.
Чертёжные доски и мольберты
Если вы работаете на отдельных листах бумаги, вам нужно будет закрепить его на чертёжной доске. Это может показаться очевидным, но убедитесь, что доска достаточно велика для вашей бумаги и что её поверхность гладкая. Вместо того чтобы использовать чертёжные штифты для крепления бумаги к плате, используйте пару подпружиненных зажимов для платы. Вы можете купить целевую чертёжную доску из хорошего художественного магазина или использовать лист фанеры или МДФ (ДВП средней плотности).
При использовании альбомов для рисования или бумаги, прикрепленных к доске, нет необходимости иметь мольберт, но, тем не менее, он играет важную роль для художника. Позволяет работать стоя или сидя, закреплённое полотно можно перемещать по высоте и менять угол наклона, мастер сможет отойти на расстояние, чтобы оценить ход выполнений с разных ракурсов. Мольберт создаёт удобство и комфорт в работе, может быть настольный, складной, мольберт-хлопушка или мольберт-тренога. Самым важным соображением здесь является стабильность. Мольберт должен быть достаточно прочным, чтобы удерживать чертёжную доску, но также принимать давление и вес, которые вы применяете во время работы.
Хотели бы познакомить вас с курсом «Основы рисунка»
Вы научитесь рисовать как художник — вдохновенно и осознанно. Освоите разные техники и материалы: от графита и угля до масляных красок. Сможете создавать впечатляющие рисунки, следуя академическим правилам — или нарушая их.
Техники и материалы живописи
Идейный замысел своего живописного произведения художник обычно воплощает с помощью кисточек и красок, наносимых на какую-либо плоскую поверхность – основу.
Основы для живописи
До XV в. в Европе в качестве основы для станковой живописи использовали преимущественно дерево, при этом предпочтение той или иной породы древесины в зависимости от страны могло быть разным. В Италии применяли доски из тополя, лиственницы, липы, в Голландии – из дуба, во Франции часто использовали орех, в России – липу. Особое значение придавалось качеству древесины, служившей основой для картины: известно, что во Фландрии в XVII в. был принят закон, по которому продажа досок под живопись разрешалась лишь после их проверки.
На тыльной стороне доски, одобренной специальной комиссией, выжигалось изображение двух ладоней. После высокой оценки, вынесенной уже готовому живописному произведению, ниже выжигалась башня, оба этих символа являлись частью герба города Антверпен. Такой контроль был результатом общей любви и уважения к искусству.
Кроме дерева мастера прошлого применяли в качестве основ и другие материалы: камень, листовую медь, железо, цинк, стекло и т. п. Так, итальянский художник XVI в. Себастьяно дель Пьомбо написал свою картину «Несение креста» на каменной основе – шифере.
Широкое распространение в качестве основы для живописных произведений небольшого размера получили также медные пластины. Первыми на них стали работать итальянские мастера XVI в., но постепенно этот вид основы завоевал популярность и в других художественных школах – Голландии, Франции, Испании, Англии.
В России медные доски использовали в XVII в. царские иконописцы, а в XVIII в. некоторые художники применяли ее для миниатюрной живописи, в том числе В. Л. Боровиковский.
Кроме меди художники использовали и другие металлы – олово, свинец, цинк, примером чему может служить известное произведение Михаила Врубеля «Богоматерь с младенцем», написанное им для Кирилловской церкви в Киеве и исполненное на большой цинковой доске.
С XV в. в качестве основы живописцы все чаще начинают использовать холст. Возрастающее предпочтение этого материала объясняется как практическими, так и эстетическими его особенностями. Неровности холста создают на поверхности живописи дополнительную вибрацию света, фактура ткани становится важным художественным элементом композиции. Этот эффект усиливается за счет грунтовки холста и соответствующей техники письма. Поскольку в качестве основы для живописи в данном случае используется ткань, написанные на ней картины называют «живописными полотнами».
Для создания подготовительных эскизов и этюдов художники издавна обращались к более дешевым видам основ – бумаге и картону. Нередко выполненные на них работы становились самостоятельными произведениями искусства, обладающими большой художественной и исторической ценностью.
Инструменты
Краски наносятся на основу кистями различных форм, имеющими щетину разной жесткости, натуральную или синтетическую. Нередко мастер прибегает и к другим инструментам, таким как мастихин (от итал. mestichino), с помощью которого смешиваются краски, очищается палитра (дощечка для смешивания красок) или наносится густой слой краски на основу. Иногда мастихин употребляется вместо кисти для создания живописного произведения, нанесения краски ровным слоем или рельефными мазками. Мастихины, как и кисти, могут иметь самую разнообразную форму и размер. Но случались в истории живописи примеры, когда художник использовал в качестве инструмента свои пальцы, эта особенность была свойственна, например, Винсенту Ван Гогу – мастеру, значительно изменившему в конце XIX в. представления о привычных методах написания картин.
Краски
Краски издревле изготавливали из красящих пигментов, перетирая их в мелкий порошок для дальнейшего смешивания со связующим материалом. Пигменты могут быть минеральными (охра, лазурит, киноварь), органическими (краплак, жженая кость) и искусственными (свинцовые белила, берлинская лазурь). И если на протяжении многих столетий краски перетирались и смешивались в мастерских самими художниками (или их помощниками), то в XIX в. начинают появляться уже готовые для работы смеси. Более того, в 1841 г. было запатентовано такое изобретение как тюбик для краски, подаривший художникам возможность подолгу работать на открытом воздухе (пленэре), вне стен мастерской, имея под рукой все самое необходимое. Это открытие во многом повлияло на развитие живописи во второй половине XIX в.
Все виды красок делаются на основе связующего вещества, которое обеспечивает их соединение с основой. Вначале древние художники научились связывать пигменты с помощью водорастворимого животного клея. Другими связующими служили древесная смола или камедь, а также яичный белок, желток, пчелиный воск. С XV по XX в. основным связующим веществом являлось растительное масло, именно поэтому данный вид живописи и получил свое название – масляная. В зависимости от того или иного связующего вещества живопись можно разделить на несколько видов.
Клеевая живопись – живописная техника, использующая растительный или животный клей в качестве основного связующего вещества для красок.
Это одна из древнейших техник живописи, в ней выполнены росписи египетских саркофагов и погребальных покрывал, множество произведений Древнего Востока, средневековых Средней Азии, Индии, Китая, Японии. Для настенных росписей XVII в. в России было характерно сочетание клеевой техники с темперой и фреской. В XVIII—XIX вв. клеевая роспись получила некоторое распространение для оформления внутренних помещений общественных и культовых зданий Западной Европы и Америки. Клеевые краски непрозрачны, поэтому они дают матовое покрытие. При избытке клея на поверхности появляется блеск, а краски приобретают высокую интенсивность. Но бывает так, что при недостатке или избытке клея изображение может утратить прочность.
Такая техника предусматривает предварительную подготовку поверхности посредством наложения на неё клеевой основы и шлифовки до полной гладкости. Рисунок клеевыми красками наносится как правило до полного высыхания грунтовки, выполнение работы требует определенной быстроты, так как клеевые краски быстро высыхают и становятся непригодными для повторного использования.
Живопись восковыми красками
Энкаустика – техника живописи восковыми красками – также является одной из первых, что начали применять мастера Древнего мира для росписей стен и деревянных досок. Данная техника предполагала растапливание на огне заранее приготовленных кусков воска, смешанных с краской, для чего использовалась специальная металлическая палитра. Краски наносились при этом не только кистью, но и разогретой металлической палочкой (каутерием).
Фреска
Фреской называют вид монументальной живописи, предполагающий нанесение на стену, покрытую сырым известковым грунтом, пигментов, смешанных с водой. Жидкая водяная краска впитывается в штукатурку, и после ее высыхания пигмент прочно соединяется со стеной. Живопись водяными красками по сухой штукатурке называется а секко. Секко дает преимущество во времени, позволяя художнику расписывать за один день большую площадь поверхности, чем при фресковой живописи, но при этом она является не столь долговечной техникой. Техника а секко сложилась в средневековой живописи наряду с фреской и была особенно распространена в Европе в XVII—XVIII вв.
Масляная живопись
Растительное масло, вначале ореховое, затем маковое и льняное, использовалось в качестве связующего еще до эпохи Возрождения, но было более распространено в Северной Европе, нежели в Италии. Именно мастерство северных художников, таких как Ян ван Эйк, убедило венецианцев, а затем всю Италию и Европу, что масло наилучшим образом подходит для станковой живописи. Преимуществами данной техники является ее универсальность и долговечность. Краску можно разводить растворителями и накладывать тонким слоем, а можно наносить более густыми (пастозными) мазками. Кроме того, художник имеет возможность исправлять непросохшую живопись в течение довольно длительного времени, счищая слои и нанося новые или накладывая один слой на другой.
Темпера
Темпера (итал. tempera, от латинского temperare – смешивать краски) – водоразбавляемые краски, изготавливаемые на основе сухих порошковых пигментов. Связующим веществом темперных красок служат эмульсии – натуральные (разбавленный водой желток куриного яйца или цельное яйцо) или искусственные. До изобретения и распространения масляных красок вплоть до XV— XVII вв. они были основным материалом станковой живописи. Начиная с традиций византийского искусства, эта техника широко применялась и продолжает применяться в иконописи, в связи с чем в России она оставалась преобладающей вплоть до конца XVII в. Темперная живопись многообразна по приёмам и фактуре, она включает в себя как письмо тонким слоем, лессировками, так и густое пастозное письмо. Цветовые градации и переходы достигаются путем нанесения краски в несколько слоев.
Акварель и гуашь
И акварель, и гуашь делаются на основе гуммиарабика, разница состоит в том, что акварель прозрачна, а гуашь, благодаря добавлению мела приобретает матовость. В акварели светлую поверхность бумаги используют для создания световых эффектов. Свет проходит через прозрачные слои краски и отражается от основы, например, от белой бумаги. Непрозрачность гуаши и ее способность сохранять равномерный тон на больших участках работы подходит для создания ярких композиций большого формата. Акварельная живопись вошла в употребление позже других техник; еще в начале XIX в. в «Полном трактате о живописи», написанном художником Пайо де Монтабером, она упоминается лишь вскользь, как искусство, не заслуживающее серьезного внимания. Однако, несмотря на позднее возникновение, акварель в короткое время получила довольно широкое распространение.
Живопись водяными красками, но густыми и непрозрачными (живопись гуашью), существовала гораздо ранее прозрачной акварели. Так, например, некоторые работы Рафаэля или Шарля Лебрена представляют собой не чисто акварельные произведения, а раскраску эскизов частью прозрачными, а частью непрозрачными клеевыми красками по контурам, которые этими красками не закрывались. Такие картины служили образцами при написании фресок. К подобного рода «раскрашиванию» (как к эскизам для жанровых картин) обращались также голландские и фламандские живописцы. Например, Рубенс, хотя и делал эскизы гуашью, предпочитал более прозрачные краски. Все же подобные произведения старых мастеров можно было назвать лишь раскрашенными рисунками. Но когда художники стали заглушать красками резкие черты контуров, сделанных пером или карандашом, а для растушевки теней начали употреблять кисть, акварель превратилась в абсолютно самостоятельный вид живописи.
Акриловые краски
Акриловые краски были разработаны в 1940-х гг., их используют многие современные художники. Это стойкие и быстро сохнущие краски. Преимущества акрила в том, что в процессе работы краску можно разбавлять водой. После высыхания на поверхности образуется стойкое покрытие, не тускнеющее со временем и не смывающееся водой. Акриловые краски можно накладывать как прозрачными слоями, так и более плотными. Цвета акриловых красок всегда остаются яркими и сочными.
Стоит отметить, что произведения живописи нередко создавались и в смешанной технике, как в случае с работами художника-прерафаэлита Эдварда Берн-Джонса из серии «Дни творения». Смешанная техника была особенно характерна для мастеров XX в., которые начали включать в красочный слой картины вырезки из газет, куски ткани, части реальных предметов, а в краску могли добавлять песок, как это, к примеру, делал Пабло Пикассо. В качестве основы, начиная с прошлого столетия, стали использовать фанеру, оргалит, ДСП и другие современные материалы.