arte povera что это

Арте повера — искусство с помойки

«Арте повера» — это стиль и авангардное направление появилось в 1960-70 годах в Италии и переводится с итальянского буквально как «бедное искусство». Основа Арте повера — это сооружение инсталляций из природных, промышленных материалов, не требующих больших финансовых вложений. В ход шли земля, уголь, песок, мусор, старая домашняя утварь и одежда, то есть, все, что валяется под ногами или не жалко выбросить.

Концептуальное течение арте повера возникло «в пику» дорогостоящему и высокотехнологичному творчеству. Художники, ставшие приверженцами этого стиля, при создании работ использовали простые вещи, сиюминутно окружающие человека. Их цель — выявить поэтику и прелесть обыденного игрой на контрастах. Это достигалось путем размещения всякого «хлама» в иной реальности — залах роскошных дворцов, музейных помещениях и прочих общественно-культурных местах.

Особый акцент делался на разнородность предметов, их недолговечность. Собранные в единую кучу мешки с углем, гипсовые головы, резиновые и поролоновые губки, восковые свечи, газовые горелки и другие бессмысленные атрибуты символизировали эфемерность искусства, его неуловимость, быстротечность и бесполезность.

Яркие представители арте повера:

Общий посыл направления: «Жизнь — это миг, а красота имеет свойство увядать».

Источник

«Венера тряпичная»: Как смотреть выставку арте повера в Эрмитаже Куча тряпья, раскладушка, иглу и охладительная система в интерьерах Зимнего дворца

16 мая в Зимнем дворце открывается выставка «Арте повера. Творческий прорыв» — обширная и показательная ретроспектива одного из самых заметных течений в итальянском искусстве второй половины ХХ века.

Сам термин «арте повера» (в переводе с итальянского — «бедное искусство») в 1967 году ввел в обиход куратор и художественный критик Джермано Челант, пытаясь дать определение работам нескольких десятков итальянских авторов, которые независимо друг от друга и непохожими способами восстали в своем искусстве против американского минимализма, предложив совсем иной способ осмысления феноменов индустриального мира. Вместо современных материалов художники движения стали использовать буквально все, что попадало под руку, — от тряпок и старых газет до веток и камней, а выставкам в авторитетных музеях и галереях предпочитали перформансы в парках и на городских площадях.

По просьбе The Village куратор выставки, сотрудник отдела современного искусства Государственного Эрмитажа Анастасия Чаладзе выбрала девять показательных экспонатов и на их примере рассказала о том, из чего состоит арте повера.

«Арте повера. Творческий прорыв»

17 мая — 16 августа

Государственный Эрмитаж (Дворцовая пл., 2)

Лучо Фонтана — «Пространственная концепция: ожидание», 1964

Выставка делится на два небольших раздела. Точнее, есть выставка, а есть небольшая преамбула к ней с работами предшественников арте повера — художников, которые оказали влияние на это движение. Среди них я бы в первую очередь отметила Лучо Фонтану, который известен своими изрезанными холстами. Что роднит его абстрактные полотна с работами художников, которые абстракции противились?

Фонтану интересовали пространство, трехмерность мира, он пытался всячески использовать и исследовать это в произведениях. В его порезанных холстах пространство как бы проходит сквозь произведение, просачивается в буквальном смысле, становясь важной его частью. И еще важен жест: художник рассекает ножом холст и таким образом передает ему свою энергию — это было тем самым «бедным действием», которое вызывало у художников арте повера симпатию.

Джованни Ансельмо — «Без названия», 1967

Особенность произведений Ансельмо — в том, что он работает с воспроизведением физических состояний. Они постоянно присутствуют в жизни человека, но остаются неосознаваемыми, а иногда и неназванными. Вот, например, его работа «Без названия» — это лист плексигласа, который деформирован и скреплен железным прутом. Здесь физическое напряжение воплощено визуально.

Это очень простой, но в то же время весьма доступный способ передать физические феномены и явления. У нас будет и другая его работа: для нее он использовал железную балку, обмотал вокруг нее кусок ткани и закрепил на стене таким образом, что вес балки оттягивает ткань вниз. Но она, будто нарушая законы физики, не разворачивается. На самом деле мы постоянно являемся свидетелями подобных вещей, но не обращаем на них внимание, потому что в обычной жизни не можем наблюдать это так наглядно.

Пьер Паоло Кальцолари — «Лестница

(mi rfea pra)», 1968

Художники арте повера активно использовали различное промышленное оборудование. Вот, например, Кальцолари много экспериментировал с охладительной системой. Все его произведения, которые представлены на выставке, используют ее возможности. Работа подключается к электропитанию, металл охлаждается, покрывается инеем — и цвет поверхности меняется. И вот в таком нестабильном состоянии и постоянном изменении творец видит художественный образ: непрекращающаяся смена агрегатных физических состояний и является объектом его творческого поиска.

Здесь мы также можем найти контрасты — у работы есть некое дополнительное мистическое измерение. В основании есть фраза «mi rfea pra», напоминающая какие-то колдовские алхимические формулы. Сверху на металлической поверхности лежит перо, контрастирующее с тяжестью металла. Инею противопоставлена свеча. В результате перед нами возникает некая замкнутая и уравновешенная в себе система, в которой гармония достигнута самыми простыми способами.

Джильберто Дзорио — «Ненависть», 1969

Джильберто Дзорио интересуют движение, различные проявления энергетических процессов, состояния вещей — в этом смысле его работы чем-то похожи на то, что делал Ансельма. А еще ему, как и Кальцолари, не чужда некоторая игра в алхимию, какой-то мистический налет. Его работа «Ненависть» относится к периоду, когда Дзорио использовал слова как изображения и воспроизводил их в самых разных техниках. Здесь мы видим слиток свинца, в который, можно предположить, с яростью вбита веревка. Этой веревкой выложено слово Odio, которое с итальянского переводится как «ненависть». В результате слово и действие соединяются в единый образ, некую универсальную форму. Дзорио совершал и более смелые эксперименты: например, отпечатывал на собственном лице слова, связанные с болью, травмой. Так слово превращалось в собственный визуальный символ.

Яннис Кунеллис — «Без названия», 1969

Кунеллис — пожалуй, один из самых известных представителей арте повера. Его работы просты, но при этом почти всегда очень поэтичны. Здесь, например, мы видим обычную раскладушку, на которой разложена шерсть. Художник создает образ, где некая аморфная субстанция встречается с чем-то очень будничным и материальным. Это противопоставление природного и промышленного, живого и неживого. Причем дополнительное измерение работе придает тот факт, что обе вещи сопровождают человека на протяжении всей жизни — и кровать, которая символизирует отдых и сон, и шерсть, защищающая нас от холода.

Другая показательная работа на выставке — «Линия пальто» — посвящена проблемам памяти, воспоминаний. Устроена она тоже просто: мы видим шерстяные пальто, подвешенные на металлических рельсах. Зритель может предположить, что инсталляция посвящена каким-то безвестным рабочим, положившим свою жизнь на поднятие промышленности Италии, память о которых хранит что-то очень незначительное, имперсональное — как, например, пальто.

Марио Мерц — «Иглу с деревом», 1968–1969

Иглу — одна из наиболее узнаваемых форм, символ, благодаря которому Марио Мерц известен. В иглу он видел то совершенство, которое было присуще постройкам древних народов и превзойти которое его современникам было уже не под силу. Он воспроизводил эту конструкцию множество раз из самых разных материалов: неоновых трубок, листьев, камней. Отчасти таким образом художник подчеркивал адаптивность строения, показывал, как идеальная форма может быть использована для презентации самых разнообразных идей.

В данном случаем мы видим металлический каркас, покрытый стеклом, — конструкцию, которая ассоциируется у нас с заводскими цехами. Но при этом в отверстие в куполе иглу, как в вазу, вставлена веточка — нечто живое и хрупкое, что, с одной стороны, требует защиты, а с другой — не укладывается в созданную искусственно структуру.

Джузеппе Пеноне — «В дереве», 2010

Одна из скульптур Джузеппе Пеноне уже почти месяц стоит в большом дворе Зимнего дворца — и как бы предваряет выставку. Как известно, основной мотив у Пеноне — дерево. Это художник, который среди участников движения арте повера больше всего акцентировал внимание на связях человека и природы. Эту связь он видит в сопоставлении роста дерева и взросления человека. Здесь, например, он берет промышленный брус, предназначенный для строительства, но сделанный из цельного куска дерева. И постепенно снимает слой за слоем годичные кольца. В результате этой в высшей степени кропотливой работы дерево как бы молодеет, обнаруживая свою первичную структуру — каждую завязь, каждую веточку. И то, что оно вырезано не до конца, позволяет зрителю понять не только то, как работал художник, но и как он мыслил и какую идею хотел подчеркнуть.

Лучано Фабро — «Вешалки для белья

(из Неаполя)», 1976–1977

Арте повера возникает в тот момент, когда в музейном мире активно насаждаются новые формы искусства — в первую очередь минимализм и абстракция, где изображение кажется чем-то бездушным и легко тиражируемым, чем-то, в чем можно было увидеть очередной продукт потребления. Устав от засилья абстрактной живописи, художники арте повера старались в своих произведениях как-то деконструировать, препарировать абстракцию, преподнести ее по-новому. Вот пример: Лучано Фабро развешивал в музейных залах разноцветные куски ткани, точно шторы. «Вешалки для белья» — попытка передать игру закатного солнца над Неаполем, богатую палитру небесных оттенков. Для художника это наглядный пример того, как свет становится цветом.

Еще Фабро известен своей серией «Италия», где он в разных материалах и форматах воспроизводил контур родной страны. У нас будет представлена работа из этой серии — «Зеркало Италии», где контур Италии, вырезанный из зеркала, обернут свинцовой лентой. Это некая метафора состояния страны в тот момент, когда Италия, немного окрепнув, пыталась найти свое место в мире. Здесь можно провести аналогию со стадией развития «зеркало» у Лакана, когда ребенок пытается через зеркало определить, кто он есть.

Источник

Арте повера: самое «бедное искусство» ХХ века

Венера рядом с кучей тряпья, макет иглу с неоновыми надписями, табун лошадей вместо выставки в галерее — все это канонические произведения «арте повера». Термин и течение возникли с легкой руки куратора Джермано Челанта: он-то и выделил характерные черты направления, отобрал близких по духу художников и представил в 1967 году результаты свой работы на одноименной течению выставке.

Правда, официальные экспозиционные площадки тогда художникам был не очень по душе: авторы арте повера изначально обладали тем же антимузейным задором, что и их предшественники — итальянские футуристы. И те, и другие пытались вывести искусство из-под власти институций, освободить от всяческих законов и для этого нарушали все правила и осваивали новые формы и материалы. Закономерно, что итогом такой борьбы стало признание уникального места и футуризма, и арте повера в истории искусства и попадание работ, к ним относящихся, в крупнейшие собрания всего мира.

Правда, изначально там произведения смотрелись экзотично, ведь сам термин «бедное искусство» относится к используемым материалам: художники в очередной раз за ХХ век пытались преодолеть статус искусства как товара и во имя этого использовали для создания своих произведений тряпки, стекло, газеты и другие неканонические для искусства дешевые и иногда даже мусорные материалы. С их же помощью художники пытались преодолеть автономию искусства и сблизить его таким образом с жизнью.

Важно для художников арте повера было не только преодолеть философию консьюмеризма, но и даже вернуться к ремесленному труду. Авторы отрицали главенство техники и преклонение перед новинками прогресса и принципиально использовали непромышленные материалы: этим они пытались осмыслить итальянскую национальную идентичность и богатые традиции местных мастеров. Ну и, конечно, не обошлось и без свойственного всем художественным течениям спора с современниками: арте повера отказывалось от промышленных материалов еще и потому, что противостояло главенствующему в то время в США минимализму (о нем мы писали здесь), активно их использующему.

Развивая эти идеи, движение просуществовало всего десяток лет: уже в первой половине 1970-х художники начали отходить от заявленных правил и работать с другими темами. В конце концов арте повера окончательно изъял из жизни и перевел в архив искусства сам породивший его Джермано Челант: он сказал, что группе стоит распасться, чтобы художники могли пойти дальше своими путями.

Главные художники и работы

Создатель, пожалуй, самого известного произведения арте повера — «Венеры в лохмотьях»: пластиковой богини в груде разноцветного белья, повернутой к зрителям спиной. Смысл произведения — в контрасте: постоянных ценностей, которые символизирует богиня, и быстро разрущающихся вещей; твердого пластика и мягких материй; бесформенной кучи и четких очертаний.

Дошел до предельной «бедности» и крайней редукции: самые знаменитые произведение Лучо — проткнутые, разорванные или разрезанные холсты. Изменяя их таким образом, он, как и Малевич за 50 лет до этого, стремился обнажить суть произведения искусства — не метафизического объекта, а просто холста на подрамнике.

Возвел стремление к природному в абсолют и создал произведение «12 лошадей» — то есть буквально в 1968 году на время работы выставки поместил в галерею «Аттико» дюжину рабочих лошадей. Таким образом он сделал акцент на местной экономической ситуации: на прочной тогда связи Италии с доиндустриальной, сельской экономикой. А еще выставляя животных, он выступил против представления об искусстве, как о технически изготовленной вещи. По Кунеллису, «12 лошадей» — настоящие скульптуры.

Создатель серии иглу, символизировавших в том числе выживание кочевников в условиях резких культурных перемен. Строил он их из металлической арматуры и покрывал «бедными» материалами: сеткой, кусками глины, воска, грязи, мешковины или кожи, кусками стекла, связками веток. Часто на иглу — неоновые надписи, которые отвечают за политическое измерение арте повера: например, Giap Igloo (1968) несет высказывание вьетнамского военного стратега генерала Ву Нгуена Гиапа: «Если враг собирает силы, он теряет землю; если он рассеивается, он теряет силу».

Автор серии «карт мира», которые по указанию Боэтти соткали анонимные афганские ткачи во имя возвращения к доиндустриальным методам производства, противодействия технологическому прогрессу и культивирования чувства места и идентичности.

Источник

Арте повера: бедность — не порок

Вам приходилось видеть в музеях инсталляции из тряпок, арт-объекты в виде куска необработанного дерева и другие произведения из подручных материалов? Если так, то вы, скорей всего, уже знакомы с арте повера — «бедным искусством». О происхождении течения, ключевых представителях и их творческих задачах — в нашем материале.

Течение арте повера зародилось как протест. Что так возмущало его представителей? Какие средства они использовали для выражения своего мнения? Как понимать их необычные произведения?

Откуда корни?

Италия, 1960-е годы. На фоне бурного промышленного роста и скачка в экономическом развитии страны некоторые художники начинают задумываться о возвращении к простым материалам и отказе от технологий. По их мнению, арт-рынок заполнен заведомо коммерческими произведениями, что снижает самоценность искусства. Решение этой проблемы они видят в создании работ, строго противоположных общепринятому понятию красоты. Отсюда — выбор в качестве материалов старых газет, древесины, земли, стальных прутьев, мешковины и тому подобного.

К слову, понятие «бедность» в названии арте повера стоит понимать в значении «простота»: представители течения хотят освободить зрителя от предвзятости, чтобы тот сделал эмоциональный откат в прошлое и воспринял их искусство «на свежую голову», без оглядки на то, что когда-либо видел до этого или (что ещё хуже!) что диктует ему общество.

«Очистив искусство от вредных вирусов, мы останемся один на один с чистыми стихиями Вселенной и элементарными вещами нашего окружения».

Есть ли в арте повера художественная ценность?

В то время, как весь мир обращается к металлу, пластику и прочим подобным материалам, мастера арте повера фокусируются на ручном труде и «дарах природы». Как понимать произведения этих художников? Стоит ли их воспринимать исключительно как протест, или же в нагромождении картофеля посреди выставочного зала или рваном куске холста, обрамлённом рамой, есть своя эстетика и глубокая идея?

Как и в случае с любым произведением искусства любого направления, каждую работу следует рассматривать обособленно и, конечно, не забывать о свободе интерпретаций и субъективности восприятия. Давайте разберём пару-тройку проектов художников арте повера и попробуем разобраться, что же они хотели сказать.

Взять, к примеру, произведение Яниса Кунеллиса «Без названия», которое представляет собой кучу шерсти на раскладушке. В этом объекте — противостояние тёплого и холодного, живого и неживого, природного и созданного человеком.

Или другой пример — «Вешалки для белья» Лучано Фабро. Этой работой художник постарался по-новому преподнести абстракцию. Лаконичная инсталляция иллюстрирует многогранность цветов в небе над Неаполем.

А вот ещё одно знаковое для арте повера произведение — «Венера тряпичная». Перед нами — копия античной статуи, которая устремляет свой взгляд на груду пёстрого хлама. Идеальный пример противопоставления вечной красоты и быстротечной моды.

Что посмотреть и почитать по теме?

Чтобы ближе познакомиться с историей и философией арте повера, прочитайте книгу Уилла Гомперца «Непонятное искусство», виртуально прогуляйтесь по выставке «Арте повера» в Эрмитаже, послушайте онлайн-лекцию искусствоведа Каролины Пескишевой и рассмотрите ключевые работы представителей течения на сайте WikiArt.

Обучающие курсы в Москве

Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl + ↵

Источник