art nouveau что это

Арт-Нуво и Арт-Деко: как не перепутать?

Источники вдохновения

Для Арт-Нуво это – готика, точнее интерпретация готики мастерами движения «арт-энд-крафт», искусство современной ему Японии, отчасти Древний Египет и народное искусство – причем влияние последнего очень и очень велико – до такой степени, что фактически в некоторых странах стиль арт-нуво стал выражением национального возрождения и самоутверждения.

Для Арт-Деко это – искусство Древнего Египта – в очень высокой степени, искусство Древней Месопотамии (их влияние связано с активными раскопками в этих регионах); искусство Дальнего Востока, такие далекие друг от друга кубизм и эдвардианский неоклассицизм, этника и примитивное искусство – от африканских мотивов до древнегреческой архаики.

Отсюда кстати, вытекает их основное, принципиальное различие – арт-нуво – стиль национальный, раздробленный так и не ставший интернациональным – об этом свидетельствует даже отсутствие единого названия – в каждой стране оно самобытно, соответственно арт-нуво так и не стал Большим Стилем – в отличие от арт-деко. Иногда я даже склонен думать, что это вообще разные стили, объединенные одной эпохой. Впрочем, есть много чисто идеологических причин, которые более-менее связывают все эти течения в единое целое – отрицать это невозможно.

Самое забавное, пожалуй, на мой взгляд, это то, что ар-деко не имел идеи в принципе. Точнее идея была одна – жизнь, жизнь как праздник, как манифестация.

Ар-нуво изысканно эротично. Каждым изгибом орнамента.

Краски ар-деко – яркие, кричащие, контрастные – сошедшие с полотен Матисса и его друзей-фовистов.

В орнаментах ар-нуво стилизуются мотивы самых обычных растений и цветов – тех, что растут прямо тут, под окном у художника. Ар-деко вдохновляют буйные тропические растения из далеких заморских стран.

И материалы, материалы… Ар-нуво – молочный мрамор, тусклое серебро, красное дерево, полудрагоценные камни.

Ар-деко – полированное серебро, блистающая латунь, слоновья кость, черное дерево и хромированная сталь.

Ар-нуво питает любовь к птицам и насекомым и рыбам.

Ар-деко прославляет пантер, львов и их добычу – лань (сказывается влияние Месопотамии).

Женщины ар-нуво духовно-анемичны или томно-пухлы, а бесконечно-текучие волны их волос – вообще фирменный знак стиля. И, кстати, создается впечатление что все они – высоки ростом. Мужчины же выглядят как вечные юноши – это в лучшем случае.

Женщины ар-деко маленькие, крепкие, колюче-спортивные, вечно куда-то летящие, а если и полны, то особой, здоровой полнотою – тоже крепкой и звенящей.

Ар-нуво с самого рождения своего любит плавную длинную практически бесконечную линию – не зря великий Моррис, видя зарождение нового стиля, дал ему имя «органического».

Ар-деко строит орнаменты из простых фигур – квадратов, кругов, треугольников – и даже листья и цветы максимально геометричны.

Предметный мир арт-нуво крайне нетехнологичен – насыщенный декор и обилие плавных тягучих линий предполагает ручной труд высококвалифицированного ремесленника – практически соавтора художника – в этом ар-нуво – достойное дитя «искусств и ремесел». Всё носит отпечаток личности автора – дизайн тотален, вещь из одного комплекта перенесенная в другой интерьер – даже выдержанный в том же стиле – смотрится чужеродной. Интерьеры арт-нуво напоминают картинки-пазлы – лишенные одной из своих частей они неполны, замена – недопустима

Предметный мир ар-деко технологичен, причем совершенство технологии и красота материала как такового выходят на первый план. Он универсален и похож на драгоценные камни в калейдоскопе – их можно комбинировать до бесконечности, каждый раз получая новую картинку, не уступающую в красоте предыдущей

.»

Мне кажется, что эта информация может кому-нибудь пригодиться. Спасибо за внимание!

Источник

Осторожно, модерн! История дизайна, самое начало

Открываем серию статей о дизайне ХХ века рассказом о стиле, который перевернул отношение к визуальной культуре в Европе и дал первые громкие имена.

Дарья Сорокина

Историк искусства, исследователь авангардного искусства 1920–1930-х годов в России и Германии, магистрант программы «Дизайн-исследование» в школе Баухаус в Дессау, сотрудник Bauhaus Dessau Foundation.

Дизайн ― самая молодая дисциплина в контексте мировой истории искусства. До конца XIX века созданием предметов занимались ремесленники, оформляли — художники-любители, а изысканную архитектуру могли себе позволить только самые обеспеченные слои. XX век совершил революцию в графике, архитектуре, производстве и эргономике. Появился дизайн.

Исследуем его развитие с искусствоведом Дарьей Сорокиной. Наша первая
остановка ― начало века, модерн. Именно в этот период зарождается дизайн как самостоятельное направление в визуальной культуре.

Из материала вы узнаете:

Модерн ― великая эпоха в культуре, искусстве и дизайне рубежа XIX–XX веков. Термин «модерн» дословно переводится с французского как «современный». Он вызывает разночтения даже у специалистов: историки определяют так временную эпоху, искусствоведы считают, что это художественный стиль, а для философов это один из этапов социального развития.

Модерн трудно «поймать за хвост»: у него разные лица и противоречивые формы. Он реалистичный и абстрактный, буйный и сдержанный, пластичный и геометричный. У него разные имена: «ар-нуво», «югендстиль», «сецессион», «либерти», стиль венских мастерских и, собственно, сам «модерн».

Бесспорно одно: вне зависимости от названия и географии модерн всегда свеж, экзальтирован, утончён и служит красоте. Это первое течение, которое за всю историю искусства проникало во все сферы жизни комплексно.

Модерн стремился к единому стилю во всём, от облика здания до мебели и посуды. Даже обои, дверные ручки разрабатывались под каждый конкретный проект. Художник этого времени становился универсалистом: он и живописец, и архитектор, и ремесленник.

Модерн породил универсальность и междисциплинарность, которые встречаются и в современной культуре и дизайне. Это был первый опыт осознанного единства стиля.

Ещё один из важных принципов модерна ― «изнутри ― наружу». В архитектуре теперь не здание диктует планировку, как это было раньше, а назначение и тип комнат формируют структуру и облик здания.

В визуальном языке модернисты отвергали классику и академизм, восхищаясь всем новым или хорошо забытым старым. Например, одним из источников вдохновения в модерне стали открывшиеся связи Европы с Дальним Востоком, а также народное искусство и фольклор.

Становление модерна

На становление модерна повлияли несколько факторов:

Именно в начале XX века растёт значение индивидуальности, личности человека, а философия Фридриха Ницше ставит под вопрос общепринятые нормы, мораль, этику, общественно-политические отношения. Также происходят важнейшие события в психологии — Зигмунд Фрейд разрабатывает теории психоанализа и сновидений, даря миру осознание сексуальности и, как следствие, ― декаданс.

Модерн берёт начало в Великобритании, куда промышленная революция пришла раньше всего. К середине XIX века многие товары стали производить машинным способом, что сказалось и на их дизайне. Это довольно сильно напугало рефлексирующих художников. Бездушные копии, лишённые тепла человеческого прикосновения, не должны были наводнить мир ― так считал Уильям Моррис, которого можно назвать одним из первых дизайнеров в современном понимании.

Моррис считал, что противостоять веку машин нужно, вернувшись к ручной работе и производству уникальных вещей. Ему импонировала эстетика Средневековья с её богатыми растительными орнаментами, заполняющими всё пространство. Пик популярности идей Морриса пришёлся на вторую половину XIX века, а основанное им движение «Искусства и ремёсла» в конце XIX века стало первым предвестником модерна. Его последователи стали создавать вещи в собственной обособленной эстетике, уравняв в правах ремесленные изделия и такие утончённые и привилегированные искусства, как живопись, скульптура и архитектура.

Один из ярких представителей этого движения ― Артур Макмердо. Его обложка для книги «Городские церкви Рена», выпущенной в 1881 году, признана первым произведением в стиле модерн. В таком же ключе, с использованием асимметричного и растительного орнамента, Макмердо оформляет мебель, обои — новый стиль начинает активно распространяться по Европе.

Модерн ― это не только пластичность растительных форм, с которыми работали Макмердо и Моррис. К конструктивному направлению модерна можно отнести мастерскую Чарльза Ренни Макинтоша в Глазго, вещи из которой были всегда геометричны и функциональны, имели стройные пропорции и не изобиловали излишним декором.

Модерн в архитектуре

Книга «Городские церкви Рена», оформленная Артуром Макмердо, предназначалась в первую очередь для архитекторов, поэтому неудивительно, что модерн начал распространяться именно в их среде.

Первым архитектором модерна был бельгиец Виктор Орта, спроектировавший в 1892 году особняк Тассель в Брюсселе. Здание произвело фурор, а Орта провозгласили создателем «нового стиля» в архитектуре. После того как Эктор Гимар, его последователь, представил новый стиль в Париже, модерн начал триумфальное шествие по Европе.

Гимар создавал не только проекты зданий, которые включали в себя интерьеры и мебель, но и спроектировал в 1900-м году входы в павильоны парижского метро, в результате чего жители начали называть модерн «стилем Гимар» или «стилем метро». Так модерн начал укореняться в повседневной жизни.

Модерн в Европе

4 января 1895 года на улицах Парижа появились афиши премьеры театральной постановки «Жисмонда», сделанные художником Альфонсом Мухой. Некоторые из этих плакатов висели недолго ― их забирали с собою впечатлённые горожане. Модерн перестал быть привилегированным стилем ― создаются такие предметы обихода, как вазы, гребни, броши, заколки и флаконы духов. Они доступны уже не только самым обеспеченным слоям населения, модерн начинает окружать людей повсюду.

Югендстиль

Модерн в графике стал набирать всё большую популярность, важнейшую роль в его распространении сыграли журналы. Их новый стиль сразу заинтересовал читателей и привлёк дизайнеров. Одним из самых популярных журналов в новом стиле стал « Югенд », издававшийся в Мюнхене с 1896 года. Благодаря его названию немецкий модерн стали называть югендстилем. Это же название стало использоваться в странах Балтии и Скандинавии.

От франко-бельгийского модерна югендстиль отличался более сдержанным характером в графике, брутальностью форм и материалов в промышленном дизайне и архитектуре.

Национальный романтизм

Одновременно с расцветом югендстиля в Германии в Северной Европе, в частности в Финляндии и Норвегии, где шло становление политической независимости, появляется собственное направление модерна ― национальный романтизм. На него художников вдохновили фольклор, сказания и народное творчество этих стран. В Норвегии ярчайшим его представителем был художник Ханс Даль, а в Финляндии ― Аксели Галлен-Каллела.

В графике яркий представитель русского модерна ― Иван Билибин, чьи иллюстрации к сказкам и былинам знакомы нам с детства.

Сегодня в это сложно поверить, но один из знаковых предметов модерна в русской культуре ― матрёшка. Принято считать, что это исконно русская игрушка, но появилась она лишь в самом конце XIX века. Фигурку выточил абрамцевский токарь Василий Звёздочкин, а расписал её художник Сергей Малютин. С модерном её объединяет Восток, которым вдохновлялись модернисты в Европе, ― прототип фигурки прибыл с японского острова Хонсю. Ещё одна общая черта ― тонкие чёрные линии контуров, к которым так тяготел модерн.

В южных странах Европы также можно найти отголоски национального романтизма и сказок. Так, например, делая проект реконструкции дома Бальо в Каталонии в 1904–1906 годах, Антонио Гауди вдохновлялся образом дракона, покрыв крышу его «чешуей».

Сецессион

В Центральной Европе модерн был представлен множеством разных мастерских и течений. Большую роль в его истории занимает столица Австро-Венгерской империи ― Вена, именно здесь в 1897 году возник Венский сецессион, который основал Густав Климт.

«Сецессион» (Sezession) переводится с немецкого как «обособление» ― художники этого стиля противопоставляли себя академизму. Они подарили миру огромное количество невероятно утончённых предметов в стиле модерн ― игрушек, украшений, кружев, посуды. Также сецессионисты проектировали здания и работали с городской инфраструктурой.

В 1903 году архитектор Йозеф Хоффман и живописец Коломан Мозер открывают Венские мастерские, а через два года ― торговые залы на Нойштифт-гассе. чтобы объединить художников и ремесленников, как когда-то это сделали «Искусства и ремёсла». Покупатели могли приобрести здесь авторские светильники, ткани, посуду из керамики и стекла, мебель. Всё это пользовалось невероятной популярностью, поэтому влияние венских мастерских на распространение дизайна модерна невозможно переоценить.

Закат модерна

Увы, эпоха модерна ― движения, завоевавшего практически всю Европу ― оказалась весьма скоротечна: уже к началу Первой мировой войны использование ярких орнаментов модерна стали считать моветоном, на смену им пришли более выдержанные ар-деко и модернизм. Несмотря на колоссальное влияние модерна на всю европейскую культуру начала XX века, о нём забыли на несколько десятилетий.

Возрождение модерна

Переосмысление модерна началось спустя полстолетия. Благодаря большой исторической дистанции появилась возможность взглянуть на модерн свежим взглядом. На плакаты 1960-х возвращаются образы с афиш и из журналов начала века.

Музыканты, конкурируя за внимание слушателя, используют эксцентричные формы, шрифты, узоры, женские образы. Психоделическая культура хиппи переосмысляет модерн ― главное отличие нового «модерна» от образцов прошлого в использовании насыщенных, контрастных цветов и образов, соответствующих духу нового времени.

Отголоски как оригинальных модерновых плакатов, так и переосмысленных
в 1960-е, можно встретить и в сегодняшнем графическим дизайне, который из-за «всеядности» нашей эпохи вбирает и использует практически всё.

Модерн в XXI веке

Одно из главных и глобальных достижений модерна ― принцип проектирования «изнутри ― наружу» сегодня плотно внедрён в саму суть архитектуры, где форма здания подчиняется его наполнению.

Также принципы модерна используют в современном интерьере ― часто офисы крупных компаний выдержаны в едином стиле, в котором нет места чужеродному предмету. Стены, мебель и даже фурнитура подчинены единому порядку, принципы которого были заложены более ста лет назад.

В современном интерьере модерн в почти первозданном виде сохранился в виде ламп «Тиффани» из разноцветного стекла, а на фабриках по-прежнему выпускают обои по эскизам Уильяма Морриса или с принтами, на которые дизайнеров вдохновило его творчество.

Главная область, где модерн существует с 1900-х почти без изменений ― это парфюмерия. Флаконы Lalique и Guerlain по сей день не теряют актуальности и служат объектом внимания коллекционеров.

Сегодня наследие модерна выделяется ярким пятном на картах городов. Восстанавливаются не только сами постройки, но и интерьеры, мебель. Зданиям придают новые смыслы ― некоторые из них превращаются в рестораны, отели или музеи. Так, в Самаре в особняке Курлиных находится Музей модерна. В московских особняках этой эпохи исторически располагаются культурные организации или посольства разных стран.

«Модерн» ― modern, современный. И пусть современность модерна осталась далеко позади, его шлейф мы ощущаем уже больше века. Именно модерн заложил основополагающие в современности принципы ― тотальность в архитектуре, искусстве, дизайне.

Что дальше? В новом материале мы расскажем о следующем десятилетии, в котором зародились радикальные идеи модернизма как основы современного дизайна.

обложка: Fatıma Betül Küçük / Pinterest / Hector Guimard / Confidence / Wikimedia / Freepik / Freepik / Meery Mary для Skillbox Media

Jugend («Молодой», нем.), еженедельный журнал об искусстве и образе жизни.

Имение меценатки и коллекционера Марии Тенишевой в Смоленской области, где она на рубеже XIX–XX веков организовала художественно-промышленные мастерские, превратившиеся в значимый центр российской культуры.

Подмосковное имение мецената Саввы Мамонтова, где был сформирован Абрамцевский художественный кружок — творческое содружество художников, писателей, деятелей театра, просуществовавшее до 1899 года.

Casa Batlló, иногда его называют «Дом костей».

Одна из старейших компаний в области производства художественных изделий из стекла и хрусталя, имеет свой парфюмерный бренд. Основана ювелиром и дизайнером стекла Рене Лаликом (1860–1945).

Французский парфюмерный дом, основанный в 1828 году.

Источник

Ар-нуво — интернациональный стиль в изобразительном искусстве

Ар-нуво (Art Nouveau) — многожанровый стиль, появившийся в результате творческой переработки художниками культурного наследия прошлого. Его характерной особенностью стали изогнутые и волнистые линии, придающие изображению изящество и воздушную легкость. Четкие контуры, летящие формы и динамичные узоры делают стилистику ар-нуво хорошо узнаваемой.

Как возник стиль ар-нуво

Ар-нуво развивался одновременно во всех европейских и американских школах живописи, что привело к различиям в определениях стиля. Термин Art Nouveau (фр. «новое искусство») закрепился во Франции после того, как в центре Парижа под этим названием был открыт магазин, где продавались товары с Востока. В Англии чаще использовали определение modern style, в Бельгии — «стиль Либерти», в Германии — «югендстиль». В России в обиход вошло название «модерн».

Ар-нуво вобрал в себя лучшие традиции японской гравюры: точные декоративные линии, отсутствие лишних деталей, равновесие между фоном и основным изображением. Изогнутые линии и орнаменты с удлиненными элементами создавали эффект движения. Неисчерпаемым источником идей для декора был растительный и животный мир с обилием необычных форм, дающих богатый материал для творческой фантазии.

Живопись ар-нуво объединяет ряд общих черт:

Толчок развитию нового стиля дала английская школа живописи. Плавные контуры, сглаженные формы и орнаменты встречаются уже в творчестве прерафаэлитов. Художник и теоретик искусства Джон Рёскин (John Ruskin) первым выступил с призывом отказаться от ценностей викторианской культуры и вернуться к органичным природным формам, характерным для ремесленников средневековья. Первым образцом ар-нуво считается роспись «Павлиньей комнаты», выполненная в 1877 году англо-американским художником Джеймсом Уистлером (James Whistler).

Ар-нуво: картины и художники

На раннем этапе стиль формировался преимущественно в графике и в прикладном искусстве. Рождение живописного ар-нуво произошло во Франции и совпало с началом заката импрессионизма. В конце 1880-х появляются картины, где ясно прослеживаются черты нового течения. Одно из таких произведений — картина Винсента Ван Гога (Vincent Willem van Gogh) «Звездная ночь», на которой движение небесных светил напоминает орнамент, а динамику создают спирально закрученные линии.

На развитие ар-нуво большое влияние оказал Поль Гоген (Paul Gauguin), пик творчества которого приходится на 1890-е годы. К этому периоду относится таитянский цикл картин, ставший образцом зрелого стиля мастера. Шедевры Гогена отличаются выраженной декоративностью, подчеркнутыми контурами, обилием плоскостей, закрашенных одним цветом. Элементы орнамента присутствуют везде — на одежде, предметах и в окружающем таитян пейзаже.

Австрийский художник Густав Климт (Gustav Klimt) увлекался дизайном и архитектурой, что сильно повлияло на его творчество. Со временем фигуры на его работах стали предельно плоскими, а фон превратился в подобие мозаики, украшенной позолотой и сложными узорами. Художник создавал завораживающие и удивительно чувственные женские образы.

На декоративных панно чешского живописца Альфонса Мухи (Alfons Maria Mucha) женщины предстают в окружении затейливо переплетенных цветов и растений. Огромным успехом пользовались афиши художника, где изысканная цветовая гамма сочеталась со сложными спиралевидными узорами.

Несмотря на различие приемов и техник, творчество мастеров ар-нуво объединяют общие черты. Вместо станковой картины малого размера они стремились создать живописное панно, где передавали смысл сюжета с помощью цветовых пятен, линейной ритмики, орнаментов, выделенных силуэтов и подчеркнутой декоративности.

Ар-нуво потерял популярность к 1910 году и постепенно был вытеснен новыми течениями. Элементы стиля сегодня можно встретить в современной живописи и декоративно-прикладном искусстве. Аукционы антиквариата Very Important Lot — это возможность приобрести картины напрямую у художников.

Источник